Nossa História

O Ministério de Dança Shekinah nasceu no dia 12 de Dezembro de 2004, nosso primeiro Louvor ministrado foi Preciso de Ti, do Diante do Trono, a partir daí não paramos mais......trabalhamos incansavelmente........buscamos a presença, o perdão e a direção de Deus todos os dias......pois sabemos que sem ELE nada disso seria possível.

O nome SHEKINAH, veio da música do Fernandinho, louvor que já ministramos 4 vezes, e sempre uma diferente da outra.

No começo não tínhamos nada, não tínhamos roupas, acessórios etc, hoje com muita luta, temos nosso cantinho na Igreja, temos nossas roupas, acessórios, maquiagens, tecidos, enfim tudo que um grupo precisa para trabalhar.Não temos formação profissional, a 1 ano e meio apenas, eu Ana, faço ballet e tudo que aprendo tento ensinar para eles, mas não sou professora.

Enfim lutamos a cada dia para melhorar na presença de Deus, ELE tem nos preparado momentos que nunca esperávamos passar.

Nossos ensaios são constantes toda semana, faça chuva ou sol, estamos lá e nossa busca espiritual também......não podemos vacilar.

Hoje o Ministério é formado por: Rodrigo, Paulo, Jhonatas, Tati, Dany, Emille, Jéssica, Marisa, Thaíssa, Vanessa e eu, Ana.

Agradeço sempre à Deus que tem colocado jovens de compromisso ao meu redor, neste Ministério ninguém caminha à frente e sim um ao lado do outro, sempre juntos........

Muitas vezes abrimos mão do nosso lado pessoal para estarmos fazendo a obra de Deus, muitos sábados que poderíamos estar em casa descansando, estamos na estrada trabalhando.......mas fazemos com maior prazer do mundo, nos dedicamos de coração aberto.

Bom então é isso nosso objetivo é levar a palavra de Deus através da dança,

onde ELE mandar iremos...........

Deus abençoe a todos!!!!!!!

Textos: A Dança como Adoração

Texto I-
"Davi dançava com todas as suas forças diante do Senhor , e estava Davi cingido de uma estola sacerdotal”, II Samuel 6:14.

No Israel de Deus – passado e presente – é comum que o povo expresse seus sentimentos através das artes, sendo a dança um grande instrumento de comunicação. Portanto, a dança nunca foi algo “escandaloso” para o povo de Israel, nem tampouco para os outros povos do médio e extremo-oriente. Esse movimento não é nenhuma novidade e sempre fez parte das comemorações cristãs.

O preconceito em relação à dança é um problema cultural. Ao longo dos anos, alguns valores foram deturpados. Como, por exemplo, a questão do homem dançar estar associada à sua sexualidade. Há organizações tribais, como os índios e os aborígenes, em que só eles podem dançar. Já na Bíblia, observamos que os hebreus dançavam, sem distinção de sexo. A idéia do corpo ligada ao pecado e os gêneros que trouxeram vulgaridade também contribuíram para esta aversão aos movimentos.

Para Isabel Coimbra, líder do grupo de dança Mudança, da Igreja Batista da Lagoinha, em Belo Horizonte (MG), nós estamos vivendo uma transformação a partir do testemunho de vida dos adoradores. “Antes de sermos bailarinos, músicos ou cantores, somos vasos santos, ministros e sacerdotes. Logo, temos a responsabilidade de sermos referencial da glória de Deus”, declara.

Para o ministro de louvor Ramon Tessman, do Ministério Vida Nova, em Criciúma (SC), o temperamento artístico tem cegado muitos músicos, dançarinos e demais artistas cristãos. O resultado é insubmissão, rebeldia, sensualidade, mentira, e outras coisas mais. “Se as artes estão sendo restauradas por Deus, os artistas também precisam ser”, alerta.

Os grupos de coreografia têm invadido as igrejas e daí surge um questionamento. Qual o propósito desse trabalho? Qual o seu significado na adoração? Isabel explica que a música, a dança e o canto fazem parte de uma totalidade que ela denomina como Tabernáculo da Adoração. Cada uma dessas linguagens tem um significado: na música é a sonoridade, a harmonia dos instrumentos; no cântico, são as palavras; e, na dança, é a imagem, o movimento. “Toda arte tem a mesma importância, mas só tem valor se salvar, curar, restaurar e edificar”, ensina. E no caso da dança, a unção vem pelo movimento. Não se trata de um adorno para enfeitar o púlpito da igreja.

Ramon concorda com a líder e completa dizendo que a verdadeira adoração é contagiante. “Quando uma pessoa está adorando verdadeiramente com danças pode influenciar as pessoas que estão assistindo de modo que estas comecem a adorar também. Já presenciei situações como estas”, conta Ramon.

O grupo de Isabel é um exemplo dessas experiências. Em sua última ministração, na Vigília de Bento Ribeiro (RJ), ela conta que pessoas foram curadas, libertas e restauradas. As ministrações têm sido feitas com traje vermelho porque representa o sangue de Jesus. Dentro dessa visão, eles têm visto grandes coisas acontecerem. No momento em que o grupo estava dançando, pontos de luz na mesma cor brilhavam na parede do local. "Um irmão me mostrou uma foto que foi tirada no momento, onde ficou registrado aquele fenômeno sobrenatural. O pastor ficou surpreso quando viu que aquela paisagem de fundo não fazia parte da decoração", testemunha.

A ministração pode ser feita de duas maneiras. Através da dança pré-estabelecida e a espontânea, que pode ser comparada à música. Nós cantamos uma canção ensaiada ou ministramos com cânticos espirituais. O mundo chama de improvisação, mas cremos na inspiração do Espírito Santo. Para Isabel, há momento para os dois, assim como no louvor. “É Ele quem nos conduz a uma dança profética”, conclui. Outra diferença é dança do altar e a do banco. No altar, você tem o compromisso de ministrar ao povo, de levar a igreja à adoração. Já no banco, é um relacionamento exclusivo entre você e Deus. Por isso, a vida e o caráter do ministro deve ser tratado antes de estar à frente da igreja.

O pastor Paulo César Sampaio critica o ato repetitivo e mecânico das coreografias. Para ele, a sistemática repetição tira o fator surpresa, pois se incorpora a liturgia da igreja. Com isso, em breve, alguém vai pensar em outra novidade para completar o louvor. “Cria-se sempre um círculo vicioso, onde sempre haverá necessidade de coisas novas. Importa, antes de tudo, ter um espírito contrito e um coração quebrantado”, conclui.

A adoração é uma atitude interior e não exterior. Esse ato pode ser completo sem a dança, sem a música e sem o canto. Essas expressões são veículos de louvor a Deus. Não podemos usar esses meios como fórmulas para se chegar ao altar do Senhor. Mas também não podemos restringir a dança a apresentações, a não ser que seja uma peça ou ensinamento para a igreja. Se entedermos a dança como parte do louvor, poderemos usá-la com mais sabedoria para atravessar o Santo dos Santos. Ninguém é mais espiritual por usar uma ou outra linguagem. Utilize tudo o que você tem para ser um daqueles adoradores que o Pai está procurando. Temos que viver em novidades de cântico, movimento e palavras, mas sempre conduzidos pelo Espírito Santo.


Deus abençoe
Juliana Dias
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Texto II-
Segundo tudo o que Eu te mostrar para o modelo do tabernáculo e para modelo de todos os seus móveis assim mesmo O fareis (Êxodo 25.9).

1. Puras (Eclesiastes 9.8) Suas vestes devem ser alvas, ou seja, puras. A roupa de um ministro não pode ser sensual, principalmente as irmãs; cuidado com os decotes, transparências, marcas (roupas justas, além de marcarem o corpo, impedem os movimentos). Façam roupas decentes, mas não só na hora de ministrar, suas vestes devem ser puras principalmente quando você não está ministrando. As pessoas observam seu testemunho, e Deus se entristece quando você age de uma forma na igreja e de outra fora da igreja, como se Deus não estivesse vendo você em todos os momentos e isso é um erro grave nas equipes, que precisamos estar concertando.

2. Essas vestes não são suas, são de Deus e para Deus (Lev. 16.4). Podemos observar nesse texto que as vestes dos sacerdotes eram algo sagrado mesmo, usadas em momentos específicos, no caso citado acima era uma ocasião extremamente importante, o Dia da Expiação, o dia mais santo no calendário do antigo testamento. E o Dia da expiação começava com o sacerdote se banhando e se vestindo.Sabe, quando você entender que tudo o que você tem é de Deus, e você é apenas um mordomo, você não terá nenhum problema em semear, em seguir as direções que Deus vai te dar, muitas pessoas pagam por suas roupas nos ministérios, e depois se acham donas delas, eu ofertei, eu controlo! Ungem a roupa, consagram a Deus, mas percebo que em alguns é tudo da boca para fora, no momento em que o líder tem uma direção para que outro da mesma equipe use a roupa, ou até mesmo de outra equipe, a pessoa logo se manifesta dizendo: “Eu que paguei essa roupa, ninguém toca”.

Em nosso ministério, e na maioria dos ministérios das igrejas, as próprias pessoas confeccionam suas roupas, e sei que não é fácil nem barato, mas sempre, desde o começo aprendemos o principio de ofertar, de entender que essa veste acima de tudo é para adorar o Senhor! Não para que as pessoas vejam algo em nós, mas que a presença de Deus seja manifesta!

3. Deus quer te vestir com vestes de louvor. (Salmos 30.11) Deus quer vestir o nosso coração com vestes de louvor. Por mais bonitas que sejam as suas vestes, se o seu coração estiver triste, com rancor, amargura, não vai fluir; as vestes só complementam aquilo que está fluindo de dentro de você, e uma roupa bonita não vai conseguir esconder as suas iniqüidades.

E quando nós recebemos de Deus as vestes de louvor, mesmo quando estamos passando por alguma situação difícil, podemos dançar em Sua presença, pois confiamos que Deus é quem nos dá a vitória.

4. As vestes falam de nossa identidade ministerial: (Êxodo 29.5) Outro ponto importante que as pessoas sempre nos perguntam é: Como é o processo de confecção das vestes, a criação, quem desenha borda...Bem não há segredo, nem uma fórmula, o que sempre falo é que você deve abrir seu coração, peça a Deus e com certeza Ele vai te mostrar vestes maravilhosas também.

• Muitas pessoas falam comigo, que querem, mas na verdade muitas vezes sinto que as pessoas querem algo pronto, não querem pagar um preço, e preferem realmente ficar pesquisando o que as outras pessoas estão fazendo, modificam um pouco, e já ficam satisfeitas, e isso bloqueia as coisas que Deus quer liberar para você, lógico que podemos sim aproveitar uma idéia, mas sempre buscando em Deus o que Ele deseja para nós, no caso de nosso ministério, temos nos vestido das nações, sabe quando Deus nos mostrava as vestes no início, eu ficava assustada tinha hora, porque realmente era bem diferente das coisas que já tinha visto, mas como temos testemunhos que nossas vestes impactavam as pessoas, é um desafio mesmo seguir a vontade de Deus, mas quero te encorajar, a ser fiel naquilo que Deus tem falado ao seu ministério! Temos outras vestes que falam sobre santidade, pureza, justiça, fogo etc... tudo direcionado por Deus, nos menores detalhes que você imaginar, Deus tem compartilhado conosco.

5. E a questão financeira, como fica? Gostaria que em primeiro lugar você avaliasse como estão sendo as suas ofertas, você quer o melhor, então dê o seu melhor, queremos que as pessoas sejam tocadas para ofertarem em nosso ministério, mas muitas vezes nós mesmos não ofertamos, “Se você não acredita em seu ministério, e não investe nele, como você quer que os outros acreditem e invistam nele?”.

• Outro ponto importante é, não oferte nada se você quer ter o controle sobre o que ofertou, bem eu ofertei ao ministério então deve ser feito da forma que eu quero,não faça isso, precisamos entender que é um privilégio ofertar na casa de Deus, não um peso, não faça por obrigação e sim por amor.

Eu me lembro de quando eu estava ministrando no congresso “Nas Alturas”, Deus me direcionou a usar uma roupa como de princesa, e eu na época não tinha roupas assim, então procurei, uma pessoa que havia conhecido pelo telefone a uma semana antes, ela ainda não me conhecia pessoalmente, mas quando eu expliquei, ela me disse que Deus testificou em seu coração, então ela e a outra líder de sua equipe me levaram para a casa dela, abriram o guarda-roupa onde estavam os seus vestidos e me disseram: “Escolha o que você quiser!” Eu fiquei assustada, porque um vestido era mais bonito do que o outro, mas o que realmente me impressionou é que elas me ofereceram o que tinham de melhor, e ainda me maquiaram, me pentearam, colocaram em minha cabeça uma tiara linda, e depois eu descobri que elas nunca haviam emprestado nenhuma veste para ninguém, e só me emprestaram porque Deus realmente testificou em seus corações. E depois disso nos tornamos grandes amigas. Tenho muito a agradecer, pois Deus as usou para me ensinar muitas coisas, ministraram sobre minha vida que Deus iria abrir as portas, e profetizaram outras coisas que realmente aconteceram, me levaram em seus ensaios, e deram para mim o que elas tinham de melhor, e eu agradeço a Deus o dia em que Ele as colocou em meu caminho. E eu vejo como Deus honra aquele ministério, como supre todas as suas necessidades. Que tal fazer isso em seu mistério, marque um dia, para que todos tragam algo para semear uns nas vidas dos outros, e você verá como Deus vai tratar com cada um deles.

Todos os recursos financeiros estão liberados para você cumprir a vontade de Deus, desde a eternidade!

Mais alguns textos sobre vestes:

Êxodo 28.3 – Vestes sagradas para glória e ornamento.

Êxodo 28.4_ A riqueza de detalhes.

Êxodos 40.13 _ Eram sagrados e separados para algo específico.

Que Deus nos abençoe
Gisela Matos
http://www.dancapelasnacoes.com.br
ministerio@vidanovamusic.com

Dicas para Bailarinas

Antes de entrar no palco...
Digamos que você, depois de tantos ensaios e tanto esforço, vai dançar seu primeiro solo. Imagine! E de deixar qualquer um doido de tão nervoso! Para que isso não interfira no seu desempenho na dança, você precisa de todo uma preparação e é isso que tentamos demonstrar aqui.

1. Sempre, em qualquer dança, se alongue antes de entrar no palco. Faca exercícios de alongamento para tudo, panturrilhas, coxas, braços, costas, abdômen, enfim, tudo essencial ao seu bom desenvolvimento no palco. Se você for dançar de ponta de uma atenção especial ao alongamento dos pés. Faca tudo isso para não acabar a apresentação cheia de dores.

2. Se alongue com uma malha de ballet, não com sua fantasia. Ha o perigo de ela sujar ou rasgar, o que e extremamente inconveniente. Além disso, a fantasia te limita a fazer certos alongamentos. Chegue cedo ao local da apresentação para se alongar bem, começando com meia ponta e depois com ponta, e ainda da tempo de tirar umas fotos.

3. Ensaie no palco preparado alguns passos que você considera mais difíceis para se acostumar com a delimitação e a superfície onde dançará.


4. Também vale a pena fazer uma oração antes da dança. Isso nos conforta e nos deixa menos tensa. Antes de tudo, pensem em alegrar as pessoas. Pecam a Ele que tudo de certo, mas se não der, pensem que esta foi a Sua vontade. Haverá muitas outras chances.

5. Se você esta nervosa, com friozinho na barriga, não mostre seu nervosismo para suas colegas de grupos. Elas também ficam nervosas e podem fazer acontecer algo ruim (que coisa horrível)! Pense em todos os ensaios que você passou para que tudo saísse perfeito, pense que e aquela a hora, e depois de tanto esforço, não pode-se agora 'amarelar.

Antes de qualquer coisa, é sua paixão que esta ali. Dance apaixonada, dance alegre e dance feliz: nada de ruim te acontecerá.

Dicas para melhorar sua postura durante aulas e apresentações!
A importância de linhas, e como os alunos se beneficiam por tê-las definidas.
Todo bailarino já ouviu que precisa melhorar as suas linhas, controlar as suas linhas, ou alongar suas linhas. Quais são as linhas, ou linhas do corpo, para bailarinos?
As linhas do bailarino é a maneira na qual seus membros se estendem através do espaço em que eles estão dançando. Linha descreve o uso dos bailarinos do espaço em torno deles. Seja ou não um bailarino excepcional tem pernas longas ou proporções longas, não importa em termos de linhas. Existem várias maneiras para cada bailarino para alongar o que ele ou ela não tem. Abaixo estão as dicas que os bailarinos podem tomar para encontrar suas linhas perfeitas.

Dica 1: Esteja consciente do espaço ocupado pelo bailarino, ele deve estar sempre consciente do seu corpo, seja em movimento ou parado. Deve haver um esforço constante para estender o corpo em todas as direções, alongando o pescoço, abaixando os ombros, e extensão dos membros.
Os bailarinos também devem estar cientes de que trabalham para os seus corpos individuais. Eles devem saber quais os ângulos podem encurtar as suas linhas e ângulos que adicionam o comprimento de seus membros. Na maioria dos casos, as linhas paralelas (um braço estendido para a parte traseira com a perna em arabesque primeiro, por exemplo) vai dar a ilusão de comprimento.
Dica 2: Usar o espaço ao redor do corpo em toda a coreografia, os pés devem estar completamente estendidos a todo o momento que estiver fora do chão. Uma posição de atitude mais aberta, por exemplo, pode fazer a parte superior do corpo parecer mais abertos e alongados com o tronco. Corpo reto com os ombros baixos, os braços bem esticados também podem fazer os braços e pescoço com as linhas mais longas.
A cabeça da bailarina é uma extensão do seu pescoço, e deve estar sempre levantada. Linhas do corpo podem parecer com mais acabamento, levantando o queixo em vez de olhar diretamente para frente. O olhar deve estar voltado para além dos dedos da bailarina, para completar a ilusão de linhas estendidas.
Dica 3: Mantenha a postura intacta, alargando as linhas de do tronco. Mesmo durante os períodos de silêncio, os bailarinos nunca devem desmanchar a postura. Se deixar os ombros cair para frente e os quadris irem para trás desencaixando, a bailarina vai parecer mais curta do que ela realmente é. Em vez disso, os bailarinos devem continuar pensando no alongamento da coluna vertebral - pressionando o corpo no chão ao mesmo tempo, e elevando o topo da cabeça para o teto. Praticando esta postura no espelho pode ajudar os bailarinos a conseguir linhas perfeitas para os seus próprios corpos.
Dica 4: Continuar a pensar no alongamento durante o movimento. Os bailarinos devem lembrar-se de alargar as suas linhas através dos movimentos. As transições são importantes entre os grandes movimentos, de modo que os bailarinos devem manter sua energia ao longo de uma apresentação. Criação de linhas já não é apenas durante o Grand Jete, é também importante para as etapas de transição que levam a bailarina ao ar.
Se um bailarino mantém seus pequenos movimentos num só lugar, ele ou ela vai aparecer mais curto ou tímido durante a exibição do passo. Quanto maior estas etapas forem feitas, mais as linhas aparecem nos bailarinos. Passos amplos e não tímidos.
Os bailarinos também devem ter em mente que parar bruscamente após cada etapa corta suas linhas. Estendendo uma polegada extra com os pés ou mãos em qualquer movimento, antes de passar para a etapa seguinte, tem um grande efeito sobre o alongamento das linhas de uma bailarina. Aproveitar até o último momento de cada passo de ballet.
Ao praticar estas técnicas regularmente, os bailarinos podem alcançar uma “limpeza” de movimentos, e linhas mais eficazes no desempenho.

Expressão Facial:

Os 5 passos para o bailarino ter uma boa expressão facial
A importância da expressão facial.
Cada dança precisa ser interpretada e ter comunicação com o público. É um trabalho do bailarino para dar vida a qualquer peça coreográfica. A única maneira de fazer isso é através de verdadeira emoção, personalidade e expressão. No início de realização da formação, um bailarino se esquece de suas expressões de rosto ou a falta dela. Alguns optam por apenas um sorriso.
1- A alma de uma dança está na cara
Quando o desempenho do bailarino começa a amadurecer o bailarino aprende a usar a expressão facial como a alma da sua dança. Ele se torna o gesto que vende a dança para o público como um ator vende a sua qualidade de observadores de teatro. É a verdadeira emoção da dança que faz com que seja uma arte em primeiro lugar. A bailarina que não expressa emoção e expressão durante a dança se torna desinteressante e aborrecido.
2- Expressão chama a atenção para o bailarino
Uma das melhores ferramentas é aprender a adaptar-se facialmente a dança. Audiência nos olhos são atraídas para os intérpretes da dança que aprender a dominar a emoção e expressão dentro da coreografia definida. O clima da dança faz o público interagir com o meio da interpretação, emoção recíproca e ilusão psicológica. É o fator real de ligação entre o bailarino e o público, e um dos mais importantes.
3- Dicas de expressão no rosto
Aqui estão algumas dicas para ajudar no desenvolvimento da expressão:
• Deixe a letra e a melodia da música levar-te!
• Dar uma resposta emocional para a música.
• Deixe-se! Apenas permita-se sentir fisicamente uma emoção no palco.
• Pratique emoção e expressão facial durante os ensaios e as aulas.
• Não exagere! Isso não é torcida.
4- O rosto define o estado de espírito da dança
Alguns bailarinos que aprende a expressar-se bem às vezes pode ir um pouco além. Em uma audição ou um juiz que vê uma bailarina exagerar para vê-los atuando, pode parecer falso. Ele realmente pode interferir com a mensagem da dança. No mundo da dança as expressões têm que ser naturais. O valor artístico de um bailarino é apresentar expressão e emoção, um bailarino torna o conceito coreografia vir a vida, dando-lhe a vida verdadeira.
5- Não exagere!
Uma expressão não pode ser imitada. Cabe à bailarina encontrar uma verdadeira conexão com a peça. Que cada emoção facial retratada, é uma verdade da natureza. Com a prática e a coragem, a expressão facial impulsionará uma bailarina para o próximo nível e para o sucesso!

Os tipos de dança

Dança Clássica-

Atenção aqui o aprumo é a regra: não há cabelos desalinhados nem collants tortos!
No principio dos princípios contentar-te-ás e já é muito - como aprender a: andar graciosamente, correr ouvir a música, o seu tempo, as suas variações. Não esqueças que a dança assenta sobre o ritmo e o compasso!
Uma aula de dança clássica decorre em dois tempos: a barra e o centro. O primeiro tempo, como o seu nome indica, efectua-se na barra, enquanto o segundo pratica-se no centro do estúdio o que quer dizer sem apoio.
Para os principiantes, as aulas incluem exercícios no solo, conhecidos pelo nome de barra de chão, e depois uma pequena barra muito separada. A aula terminará no centro, com exercícios simples visando aprender a controlar o equilíbrio.
Para que serve o trabalho na barra? É indispensável, porque permite o aquecimento e o relaxamento progressivos. É aí também que aprenderás a "posicionar-te", melhor dizendo a manter-te correctamente.
Geralmente, é preciso passar dois anos num curso de principiantes para ascender à classe superior com um bom sentido de colocação, necessário para uma progressão harmoniosa.
Mas, para facilitar o trabalho na barra, executarás, inicialmente, exercícios no solo. O teu profes-sor mostrar-te-à como executar cada movimento. Depois corrigirá a tua posição e ajudar-te-à a efectuar certos movimentos, como por exemplo os alongamentos.
Pormenor importante: o acompanhamento musical vai habituar-te a entender o compasso e a cadência e ajudar-te-à a adquirir um melhor sentido do ritmo.
O teu equipamento de dança- Escolhe vestuário justo para que o professor possa ver se a tua posição está correcta. Mas, atenção, não muito justo, precisas de te sentir à vontade dentro dele. No início da aula, até que o corpo fique aquecido, podes pôr protecções para as pernas e o peito. Retirá-los-ás quando estiveres quente.
Os cabelos não devem incomodar-te e devem contribuir também para te dar uma silhueta nítida. Se os cabelos forem compridos, amarra-os num carrapito ou entrança-os à roda da cabeça: estes penteados destacam bem a nuca e dão uma boa linha à cabeça e ao pescoço. Acrescenta uma fita para segurar as madeixas mais rebeldes. Se forem meio compridos, prende-os também com ganchos e uma fita. E mesmo os cabelos curtos - nos rapazes ou nas raparigas - podem ser fixados com uma fita.
Tradicionalmente, o vestuário dos rapazes é sóbrio: calção preto ou azul escuro e t-shirt branca. Mas os fabricantes dispõem de numerosos fatos, tanto para os rapazes como para as raparigas. Dependendo da escola e do nível que frequentas, o vestuário será mais ou menos elaborado.
Transpirarás muito durante as aulas: não te esqueças de lavar o fato todas as vezes que o usas. De maneira geral, tenta ter cuidado com os teus objectos de dança: como são de tecido elástico, poderás usá-los dois anos seguidos, a não ser que tenham nódoas ou estejam rasgados!.
0 que vestes nas aulas são modelos adequados ao nível e movimentos executados. Mas precisas de pensar na grande noite: a da gala de fim de ano! Para noite de excepção, fato de excepção. 0 professor decidirá o que vestirá cada um ou cada uma. Para as meninas, será talvez o famoso tutu das bailarinas: é uma saia de tule tufada, em várias camadas. Pode ser curta, de tamanho médio ou comprida, segundo o tipo de espectáculo. Para as galas, costuma-se usar a imaginação e criam-se fatos originais e próprios para a execução do papel que vais desempenhar.
As sapatilhas de dança- Os rapazes calçam sapatilhas de couro fino (meia-ponta) negras ou brancas e presas por um elástico. As raparigas usam sapatilhas cor-de-rosa em couro ou em cetim. As raparigas iniciam-se com sapatilhas de meia-ponta e só utilizam as sapatilhas de pontas quando o professor achar que os seus tornozelos estão suficientemente fortes para suportar aquele tipo de exercícios. Tal como as sapatilhas dos rapazes, as das raparigas podem ser presas por elásticos. As mais velhas preferem fitas apertadas à volta do tornozelo. As sapatilhas de dança custam caro porque são feitas à mão. Para as não estragar, calça-as apenas no início da aula e não as molhes. Por outro lado, podes sempre lavar as fitas. As sapatilhas de pontas são reforçadas na biqueira segundo os métodos de cada artesão, que guarda religiosamente o seu segredo. É preciso renovar o reforço muitas vezes porque a ponta amolece: uma bailarina profissional pode utilizar até dez pares de sapatilhas de pontas por mês!
Como coser as fitas- As sapatilhas costumam ser vendidas sem elástico ou sem fitas. Cada bailarina deve cosê-las. Precisas de uma fita de cetim cor-de-rosa, com a largura de um ou dois centímetros e com cerca de um metro de comprimento. Dobra o contraforte da sapatilha sobre a sola: é no interior da sapatilha, de cada lado da dobra, que deves coser as pontas da fita. Em seguida esticas a fita e corta-a ao meio. E é tudo.
Como atar as fitas- Aprenderás depressa a amarrar correctamente as fitas: nem demasiado apertadas nem demasiado largas, para que se mantenham sem te incomodar.
Cruza primeiro as duas fitas no peito do pé e passa-as por detrás do tornozelo. Cruza as fitas atrás do tornozelo e passa-as para a frente. Cruza as fitas à frente, em cima do primeiro cruzamento. Leva as pontas da fita para trás dos tornozelos e amarra-as duas vezes. As pontas deverão ficar invisíveis: esconde-as bem sob as fitas.
Se treinares em casa- É indispensável tomares algumas precauções. Não tentes dançar se te sentes cansado ou se os teus músculos estão doridos depois de uma aula de dança. Faz lenta e progressivamente o aquecimento.
Como na sala de dança, precisas de um chão de madeira ou coberto por um revestimento de plástico. Sobretudo, nunca dances numa superfície dura. Tenta ter consciência da tua postura e corrige-a sempre que necessário. Pensa igualmente em respirar como o teu professor te ensina. É normal que aches por vezes difícil ou estranho o que estás a aprender, mas, com um pouco de hábito, estarás muito à vontade nestas evoluções. 0 treino em casa é uma boa ocasião para verificar se compreendeste bem a aula anterior.
E, se houver qualquer coisa que não percebas, não hesites, pergunta ao teu professor(a).
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Dança contemporânea:

"A dança contemporânea surgiu na década de 1950, como uma forma de protesto ou rompimento com a cultura clássica. Depois de um período de intensas inovações e experimentações, que muitas vezes beiravam a total desconstrução da arte, finalmente - na década de 1980 - a dança contemporânea começou a se definir, desenvolvendo uma linguagem própria, embora algumas vezes faça referência ao ballet,ao jazz e ao hip hop.

Mais que uma técnica específica, a dança contemporânea é uma coleção de sistemas e métodos desenvolvidos a partir da dança moderna e pós-moderna.
[...]Aliado a isso, viu-se a necessidade da pesquisa teórica para complementação da prática.
[...]A dança moderna modificou drasticamente as "posições-base" do ballet clássico, além de tirar as sapatilhas das bailarinas e parar de controlar seu peso. Ela mantém, no entanto, a estrutura do ballet, fazendo uso de diagonais e da dança conjunta. A dança contemporânea busca uma ruptura total com o balé, chegando às vezes até mesmo a deixar de lado a estética: o que importa é a transmissão de sentimentos, idéias, conceitos. Solos de improvisação são bastante freqüentes.
A composição de uma trilha para um espetáculo de dança contemporânea implica diversos outros fatores além da própria composição musical.
A dança contemporânea não possui uma técnica única estabelecida, todos os tipos de pessoas podem praticá-la.
Esse tipo de dança modificou o espaço, usando não só o palco como local de referência. Sua técnica é tão abrangente que não delimita os utensílios usados. O corpo, pesquisando suas diagonais, não delimita estilos de roupas, músicas, espaço ou movimento."

Dicas De Dança

Dicas de memorização de passos , concentraçãoA maioria dos bailarinos pensa que a técnica é tudo. O sucesso de um bailarino é, de fato com base na capacidade física, mas também é baseado na capacidade mental. Então o que é que faz com que alguns bailarinos se destacam mais que outros? Claro, grande genética do corpo, combinado com o talento, mas, principalmente, a capacidade mental e saber bem o que quer.
Alguns bailarinos após ter muitas aulas e aperfeiçoando o Don, parecem ficar melhores. A dedicação e estar sempre conectado com a aula, concentrados e pensando verdadeiramente em cada movimento do seu corpo vai fazer você descobrir mais dicas para o seu progresso. Um estudante de dança deve escutar as correções dadas a qualquer membro da classe e aplicá-la pessoalmente.
Alguns bailarinos têm dificuldade na memorização rápida e a coreografia parece ser um desafio mental durante cada aula ou ensaio. Nesse caso a bailarina precise de uma concentração maior e muito mais dedicação. O trabalho mental e o descanso mental nessa profissão são muito importantes.
Então, não, não é verdade que os bailarinos são só músculos. É preciso um certo tipo de intelectual para estudar balé, ou para aprender a arte do sapateado.
Dicas para memorização e concentração
Há uma série de coisas que um bailarino pode fazer para aumentar a concentração:
1- Estude a coreografia antes e depois do ensaio (ou aula).
2- Não ficar conversando ou sonhando acordado durante a aula!
3- Deixar o telefone celular desligado durante a aula ou nos ensaios.
4- Descanse bastante durante a noite, a falta de sono irá certamente causar cansaço e faltar de concentração.
5- Manter as emoções sob controle: se as emoções estão provocando uma falta de foco, tente usá-las como uma fonte de energia que ajuda e não atrapalha o progresso.
6- Vestido para a ocasião, escolher uma roupa de dança favorita ou que você se sinta bonita e confortável.
7- Cuide bem da dieta; bailarinos que não possuem certas vitaminas ou minerais podem achar difícil se concentrar! Além disso, a falta de gorduras para o cérebro pode facilmente arruinar uma bailarina. Omega 3, Óleo de Prímula ou suplementos de óleo de linhaça, são ótimos para a saúde mental.
8- Um bailarino desidratado é um bailarino distraído: certifique-se de beber pelo menos dois litros de água por dia.
9- Visualize um excelente desempenho! Passe a coreografia mentalmente antes de ensaios e aulas. Grandes bailarinos praticam em suas cabeças tão frequentemente como em seus corpos!
Há tantas distrações para cada bailarino variando do medo do palco e da imagem corporal pessoal! Se concentre 110%. A bailarina que aprende a dominar a sala de aula será a bailarina que vai dominar as audições e o palco. Um bailarino mentalmente afiado é o tipo que encontra o verdadeiro sucesso. Um bailarino que sabe como centrar a sua mente, muito provavelmente vai encontrar o sucesso no mundo da dança. Estar alerta, ser rápido e inteligente é muito importante para um bailarino como também estar em forma, num corpo saudável. Um certamente não pode ter êxito sem o outro. Lembre-se, dance com o coração e com a cabeça e o corpo seguirá!

Dicas de Dança - Como montar uma coreografia? O que você precisa saber para coreografar!

Criar uma coreografia é uma experiência interessante e gratificante. É também um desafio, que exige organização, criatividade e visão. Há muitos fatores a considerar, como tema, estilo, figurino, iluminação e habilidade dos bailarinos. A coreografia é não somente sobre os passos de dança, é o processo de transformar sua criatividade em uma realidade e existem muitas ferramentas diferentes que você pode usar para atingir este objetivo.
Coreografia deve ter um estilo!
Pense sobre o estilo da coreografia que você deseja criar - moderno, funk, hip-hop, jazz, tap ou clássica. Que impressão que você pretende deixar para o público? Você já pode ter uma determinada música para a coreografia, ou simplesmente uma idéia do tipo de desempenho que pretende desenvolver. Seja qual for o seu ponto de partida de inspiração, permanecer fiel ao seu estilo, escolhendo a coreografia da música, passos de dança, movimentos, iluminação, figurinos e adereços que vai expressar o seu tema de forma eficaz.
Música e coreografia!
A música é uma ferramenta importante que deve melhorar o desempenho, não dominá-lo. A música vai ter o estilo, ritmo e letra para apoiar a coreografia e deixá-la interessante e variada.
Se usar mais do que uma música, pense na maneira como a sua coreografia vai refletir a mudança na música, seja sutil ou dramática. Considere a adequação da música ao estilo de coreografia. Ambos os elementos devem apoiar uns aos outros no transporte do tema geral. Ele pode ser eficaz para estilos de contraste de movimento e música, mas isso deve ser tratada com cuidado, pois geralmente é mais difícil.
Se quiser realmente uma mudança brusca, a iluminação pode ajudar.
O elenco!
Decida quantos bailarinos você vai trabalhar e avalie as suas capacidades. Perceber os limites dos bailarinos e do espaço em que será executado. Manter o número de bailarinos no palco ao mesmo tempo a um mínimo, é fácil criar coreografias dinâmicas em grupos menores.
Ao trabalhar com grandes grupos de bailarinos, os passos simples realizados em conjunto pode criar um impacto dramático dando um efeito muito bonito.
Para mostrar as etapas difíceis, trazer pequenos grupos de bailarinos no palco ao mesmo tempo. Em alternativa, chamar a atenção para um grupo central de dançarinos contrastando sua coreografia com a do resto do grupo. Por exemplo, dividir em grupos, cada um faz uma rotina diferente.
Eles dizem que uma equipa é tão forte quanto o seu membro mais fraco, por isso, quando trabalhar com bailarinos de diferentes capacidades, ter como objetivo criar um senso de igualdade através da coreografia. Movimentos simples realizados com precisão são muito mais eficazes do que os difíceis feitos sem “limpeza” necessária.
Variedade!
Variedade é a palavra chave para a coreografia ficar interessante. Alterações no ritmo, humor e movimento para criar profundidade e versatilidade como um show. Tente alguns desses elementos contrastantes:
* Mudanças de passos, etapas e lugares.
* Alta / baixa
* Rápido / lento
* Simples / elaborados
* Som / silêncio
Finalização!
Como coreógrafo, nunca perder visão geral do trabalho. Figurinos, iluminação e cenografia são todos elementos que podem ser utilizados para apoiar a coreografia, no entanto usado incorretamente o seu tema pode ficar distorcido. Mantenha-o simples e inclua apenas os elementos essenciais que irão reforçar a coreografia. Seja flexível, as mudanças são inevitáveis em todo trabalho, mas é tudo parte do processo de desenvolvimento. O que parece ser uma ótima idéia para melhorar a coreografia ou criar efeito pode ser bom para uma música, mas não para outra, use a criatividade!

Membros do Ministério

 Thaíssa

Vanessa                                                                                                        Jéssica

 Emily

Paulinho

Jhonatas

Rodrigo

Flávio e Ana

Taty

Dany

Marisa

                                                                                         MARINA